el.haerentanimo.net
Νέες συνταγές

Washington, D.C.’s Art and Soul Reopens After Renovation

Washington, D.C.’s Art and Soul Reopens After Renovation


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Το διάσημο σημείο του σεφ Art Smith's D.C. διαθέτει κουζίνα από το αγρόκτημα στο τραπέζι

Το Art and Soul ενσωματώνει φυσικά στοιχεία στη διακόσμησή του για να δώσει έμφαση στο μενού του εστιατορίου από το αγρόκτημα στο τραπέζι.

Σημειωμένος σεφ Art Smith (της Νότιας Τέχνης της Ατλάντα, μεταξύ άλλων) έχει ανοίξει ξανά το Art and Soul, ένα εστιατόριο με έμπνευση από τον Νότο, μετά από ανακαίνιση ενός μήνα στην τραπεζαρία, το μπαρ και την ιδιωτική τραπεζαρία. Η νέα εμφάνιση διαθέτει φυσικά και ρουστίκ στοιχεία. Οι επισκέπτες μπορούν να περιμένουν να δουν κλασικές ζωγραφισμένες στο χέρι πινακίδες αγροτικής εκμετάλλευσης και παραδοσιακή λαϊκή τέχνη που συμπληρώνει το μενού του εστιατορίου από το αγρόκτημα στο τραπέζι. Οι επισκέπτες μπορούν να παραγγείλουν κλασικά "μελαγχολικά", όπως τηγανητό κοτόπουλο ελευθέρας βοσκής και βάφλες, ή να επιλέξουν από τις νέες ενότητες του μενού, "Για το τραπέζι" και "Κατσαρόλες", οι οποίες περιλαμβάνουν ορεκτικά όπως διαβρωμένα αυγά και φλούδες χοιρινού κρέατος, καθώς και ορεκτικά όπως γκουμπό θαλασσινών και ένα χορταστικό στιφάδο πάπιας και ρυζιού (προορίζεται να μοιραστεί).

Το ανασχεδιασμένο λόμπι, το οποίο ρέει απρόσκοπτα στην Τέχνη και την oulυχή, ενσαρκώνει έναν μοντέρνο, αστικό κήπο. Ένα αποκορύφωμα του νέου χώρου είναι ένας πίνακας μικτών μέσων που στρώνει vintage και ιστορικούς χάρτες της Ουάσινγκτον, με υλικά από τη Βιβλιοθήκη του Κογκρέσου, συμπεριλαμβανομένων πολιτικών κινουμένων σχεδίων, άρθρα του 1800 και φωτογραφίες. Το έργο τέχνης εξισορροπείται από το κεντρικό κομμάτι του λόμπι, ένα αφηρημένο «δέντρο» από ανακυκλωμένο ξύλο που συμβολίζει τη θεμελίωση της πρωτεύουσας του έθνους και την επιρροή του στον υπόλοιπο κόσμο.

Οι ταξιδιώτες που επιθυμούν να μείνουν στο ξενοδοχείο και να απολαύσουν φαγητό στο Art and Soul μπορούν να απολαύσουν την ειδική προσφορά του ξενοδοχείου The Liaison Capitol Hill. Η προσφορά είναι διαθέσιμη για τους επισκέπτες έως τις 2 Σεπτεμβρίου και περιλαμβάνει καταλύματα σε ένα πρόσφατα ανακαινισμένο δωμάτιο, καθώς και πίστωση $ 100 για φαγητό και ποτό ανά διανυκτέρευση στο Art and Soul.

Η Τερέζα Τομπάτ είναι συντάκτρια της πόλης της Ουάσινγκτον, DC για το The Daily Meal. Ακολουθήστε την στο Twitter @ttobat88. Δείτε την ιστοσελίδα της στη διεύθυνση teresaktobat.com.


Washington, D.C.’s Art and Soul Reopens After Renovation - Recipes

Δευτέρα & Τρίτη
Κλειστό

Τετάρτη - Σάββατο
17:00 - Κλείσιμο

Κυριακή Brunch
10:00 π.μ. - 4:00 μ.μ

Χαρούμενες ώρες
Τετάρτη - Παρασκευή
16:00 - 19:00

Πλησιέστεροι σταθμοί του μετρό

Πορτοκαλί/Μπλε γραμμή

McPherson Square Exit: Λεωφόρος Βερμόντ/Λευκός Οίκος
Farragut North
(Η Κόκκινη Γραμμή στρίψτε αριστερά στο K St και περπατήστε 2 τετράγωνα μέχρι τον 15ο St, στρίψτε αριστερά)

Farragut North
Έξοδος από τη Λεωφόρο του Κονέκτικατ
Περπατήστε τρία τετράγωνα ανατολικά στην οδό Κ
Στρίψτε δεξιά στις 15 στο CVS Drugstore
Είμαστε στα μισά του τετραγώνου


Οι αντίπαλοι στην εξαγορά της Γκαλερί Τέχνης Corcoran θα λάβουν ακρόαση

Η Γκαλερί Τέχνης Corcoran στην Ουάσινγκτον έλαβε μια εκπληκτική αποτυχία στο δικαστήριο αυτήν την εβδομάδα, όταν ένας δικαστής έκρινε ότι τα μέλη μιας ομάδας που αντιτίθεται στην προγραμματισμένη συμφωνία εξαγοράς του ιδρύματος με την Εθνική Πινακοθήκη της Τέχνης και το Πανεπιστήμιο George Washington έχουν νομική ισχύ και θα μπορούν να έχουν ακούστηκαν παράπονα.

Τη Δευτέρα, ο δικαστής Robert Okun στο Ανώτατο Δικαστήριο της DC αποφάσισε ότι εννέα μέλη της ομάδας Save the Corcoran πρέπει να επιτραπούν ως παρεμβαίνοντες στο σχέδιο του Corcoran. Σύμφωνα με την ομάδα, οι εννέα περιλαμβάνουν τρέχοντες φοιτητές, ένα μέλος ΔΕΠ και ένα μέλος του προσωπικού της γκαλερί.

Η απόφαση του Okun υποστήριξε ότι τα άτομα έχουν ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τη διαδικασία και θα μπορούσαν να επηρεαστούν από το αποτέλεσμα. Η απόφαση σημαίνει ότι οι αντίθετες πλευρές θα συγκληθούν σε ακρόαση που θα περιλαμβάνει κατάθεση μαρτύρων και άλλα αποδεικτικά στοιχεία.

Νωρίτερα φέτος, οι αξιωματούχοι της Corcoran ξεκίνησαν ένα σχέδιο που θα έβλεπε το καλλιτεχνικό ίδρυμα να απορροφηθεί από την Εθνική Πινακοθήκη και την GWU. Το Corcoran αντιμετώπισε πολυάριθμες οικονομικές προκλήσεις τα τελευταία χρόνια και διερεύνησε συμφωνίες συγχώνευσης ή εξαγοράς με άλλους οργανισμούς.

Η τρέχουσα συμφωνία εξαγοράς χρειάζεται ακόμα δικαστική έγκριση προτού οριστικοποιηθεί. Νωρίτερα αυτό το καλοκαίρι, η Save the Corcoran κατέθεσε έγγραφα στο δικαστήριο για να σταματήσει την εξαγορά, υποστηρίζοντας ότι οι ηγέτες της Corcoran έχουν κακοδιαχειριστεί τα οικονομικά του ιδρύματος και ότι η συμφωνία "θα καταστρέψει το Corcoran για πάντα".

Οι δικηγόροι του Corcoran δήλωσαν στην απάντησή τους ότι η αγωγή επιδιώκει «εμπόδιο για λόγους απόφραξης» και ότι η εξαγορά είναι η «πιο κατάλληλη ρύθμιση» για τη διατήρηση της συλλογής έργων τέχνης του Corcoran και την ανακαίνιση του κτιρίου σε στιλ ομορφιάς του Corcoran. Ε

Ο μη κερδοσκοπικός οργανισμός Corcoran διαθέτει μια συλλογή 17.000 τεμαχίων αμερικανικής τέχνης από τον 18ο αιώνα έως σήμερα.


Χάρτης θησαυρού προς την ταχύτητα: Ένας οδηγός για το μουσείο τέχνης που άνοιξε πρόσφατα

Αυτό είναι ένα από τα συνθήματα μάρκετινγκ που χρησιμοποιεί το Speed ​​Art Museum καθώς ανοίγει ξανά μετά από ανακαίνιση και επέκταση 60 εκατομμυρίων δολαρίων.

Έτσι, πρώτα ζητήσαμε από τους επιμελητές ταχύτητας να μας μιλήσουν για την αγαπημένη τους τέχνη που πρέπει να δουν από τη μόνιμη συλλογή του μουσείου, κάτι που θέλουν να δουν οι επισκέπτες. Οι ιδέες τους έκαναν το έργο τέχνης να ζωντανέψει και, το πιο σημαντικό, να γίνει προσωπικό.

Τώρα θα ονομάσω τα αγαπημένα μου. Ναι, το Speed ​​μπορεί να τα κατέχει, να τα στεγάζει και να τα ξεσκονίζει, αλλά είναι δικά μου. Η λίστα που ακολουθεί είναι γεμάτη από παλιούς φίλους μου. Σας προτείνω να επισκεφθείτε και να βρείτε τα αγαπημένα σας, αφήνοντάς τα πραγματικά να γίνουν "το Μουσείο Τέχνης Ταχύτητας".

Χέντριξ Σιγκ Τζόνσον

«Hendrix Sigh Johnson» του Stephen Rolfe Powell, Glass (1992)

Σύγχρονη και Σύγχρονη Πινακοθήκη

Η τέχνη μου χάρισε πολλές μεγάλες αγάπες. Ως σύγχρονος και σύγχρονος διακοσμητικός ιστορικός τέχνης, έχω έναν τύπο. Αλλά είμαι άστατος, ένας υπέροχος πίνακας, γλυπτό, κτίριο ή φωτογραφία μπορεί εύκολα να γυρίσει το κεφάλι μου.

Είχα μακροχρόνια σχέση με το γυαλί. Με την επιστροφή μου στο Λούισβιλ, μυήθηκα στο έργο του διεθνούς φήμης καλλιτέχνη γυαλιού του Κεντάκι, Στίβεν Ρόλφ Πάουελ. Τα μεγάλα γλυπτά του, με έντονα χρώματα και έντονα υφή, μπορούν να εντοπιστούν σε ένα κατάμεστο δωμάτιο. Or, σε αυτή την περίπτωση, μια γκαλερί μουσείων.

Το χρώμα και η υφή προέρχονται από ιταλικές χάντρες murrini. Αυτοί οι κύκλοι ακανόνιστου σχήματος έχουν το ποτήρι του, έως και 2.500 σε ένα κομμάτι.

Ο Πάουελ έχει την τάση να δίνει στο έργο του παράλογα, αόριστα άτακτα ονόματα. Η σειρά "Teaser", η οποία περιλαμβάνει αυτό το κομμάτι, έχει συνήθως τίτλους τριών λέξεων που τελειώνουν είτε σε Smith, Johnson ή Jones. Έχω το δικό μου κομμάτι γυαλιού Πάουελ, μια κίτρινη και μαύρη χάντρα murrini δύο ιντσών που μου έδωσε. Αποταμιεύω για να μαζέψω μερικά ακόμη, ελπίζω προσαρτημένα σε ένα ψηλό βολβώδες βάζο. Εν τω μεταξύ, θα επισκεφτώ αυτό.

Carousel Form II

«Carousel Form II» του Sam Gilliam, Ακρυλικό σε καμβά (1969)

Σύγχρονη και Σύγχρονη Πινακοθήκη

Η Miranda Lash, η επιμελήτρια σύγχρονης τέχνης της Speed, ονόμασε αυτόν τον πίνακα ως ένα από τα αγαπημένα της κομμάτια στο μουσείο. Είναι επίσης ένα από τα δικά μου. Παρόλο που το ονομάζουμε πίνακα είναι σχεδόν λανθασμένο, έχει τρισδιάστατη ποιότητα, όπως η γλυπτική, επειδή είναι τόσο μεγάλο και όχι σε ξύλινο φορείο.

Ο Γκίλιαμ αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο του Λούισβιλ το 1961 με μεταπτυχιακό στη ζωγραφική. Σύντομα μετακόμισε στην Ουάσινγκτον, D.C., και τελικά έγινε μέρος της Σχολής Χρωμάτων της Ουάσιγκτον, μια παραφυάδα του αφηρημένου εξπρεσιονισμού της δεκαετίας του 1950.

Η σειρά του "Draped" στα τέλη της δεκαετίας του 1960 προκάλεσε σάλο στον κόσμο της τέχνης. Οι ηδονικές πτυχώσεις αυτών των κρεμασμένων αφηρημένων πινάκων, σε συνδυασμό με κύματα χρώματος, δημιουργούν έναν χώρο αρκετά θεατρικό.

Όταν ζούσα στο DC, οι συνεργάτες μου στο Smithsonian American Art Museum γνώριζαν ότι ήταν από το Λούισβιλ και τόνισαν ότι πρέπει να επισκεφτώ το στούντιο του. Η Γκίλιαμ είναι ιδιαίτερα ντροπαλή και δεν ήθελα να επιβληθώ. Όταν τελικά τον συνάντησα σε μια έκθεση, το Λούισβιλ ήταν το θέμα της σύντομης συνομιλίας μας.

Το Speed ​​παρουσίασε μια αναδρομή στην τέχνη του το 2006. Ο Γκίλιαμ ήταν παρών, ακόμα ντροπαλός και λιτός, αλλά χαρούμενος που ήταν ανάμεσα στα έργα της ζωής του.

Χωρίς τίτλο

«Untitled» του Ed Hamilton, Bronze, ασβεστόλιθος (2000)

Γκαλερί Κεντάκι

Ο Ed Hamilton είναι ένας τοπικός θησαυρός που πρέπει να μοιραστούμε με τον κόσμο. Ποιος άλλος γνωρίζετε που έχει ένα πανό "Hometown Hero" σε ένα τοπικό κτίριο συν ένα πάρκινγκ για ένα κομμάτι του έργου του (το μνημείο του Λίνκολν στην προκυμαία);

Έγινε ένας εθνικά γνωστός καλλιτέχνης όταν κέρδισε τον διαγωνισμό για τη δημιουργία ενός μνημείου αφιερωμένου στους Αφροαμερικανούς στρατιώτες που πολέμησαν στον Εμφύλιο Πόλεμο. Το «Πνεύμα της Ελευθερίας», στην αναμνηστική κεντρική Ουάσινγκτον, παρουσιάζει τρεις στρατιώτες και έναν ναύτη σε ένα ασυνήθιστο κυρτό μέτωπο. Η προτομή ενός στρατιώτη της Ένωσης στη συλλογή Speed ​​είναι μία από αυτές τις ολόσωμες φιγούρες. Πάνω του βρίσκεται η προσωποποίηση του Πνεύματος που καθοδηγεί όλους προς την ελευθερία.

Ο Hamilton είναι γνωστός για τη δημιουργία συναισθηματικά συγκινητικής τέχνης, γεμάτης ανθρωπιά και τεχνικά περίπλοκη. Το «Πνεύμα της Ελευθερίας» είναι το πιο ισχυρό έργο του, κυρίως επειδή περιλαμβάνει στην κοίλη πλάτη το γλυπτό ανάγλυφο που αντιπροσωπεύει τις οικογένειες που έχουν μείνει πίσω.

Αυτή η προτομή χωρίς τίτλο μου θυμίζει την πνευματικότητα στην τέχνη του Χάμιλτον. Όπως έχω ξαναπεί, είναι ένας ιστορικός του σώματος, της ψυχής, του τόπου και του χρόνου που τυχαίνει να δουλεύει στο μέταλ.

Πουλί του παραδείσου

"Bird of Paradise" από τον Toots Zynsky, Glass (1987)

Γκαλερί Discovery

Ταιριάζει ότι η Toots Zynsky βρίσκεται στη συλλογή Discovery, επειδή ήταν μια πρώιμη ανακάλυψη στην καλλιτεχνική μου ζωή. Οποιαδήποτε ιστορία τέχνης είχα ως παιδί επικεντρώθηκε στους δασκάλους, όπως ο Βίνσεντ βαν Γκογκ (αγαπημένος στα παιδιά), ο Μικελάντζελο και ο Λεονάρντο ντα Βίντσι. Όλα αρσενικά, και όλα καλές τέχνες.

Ξεκίνησα σε διαφορετικό δρόμο, με ενδιέφεραν καλλιτεχνικά κινήματα που σχετίζονται περισσότερο με τις διακοσμητικές τέχνες, όπως το Art Nouveau, το Arts and Crafts και το Art Deco. Το γούστο μου σύντομα επεκτάθηκε και συμπεριλάμβανε σύγχρονες χειροτεχνίες μουσικής ποιότητας.

Διαφήμιση

Ταυτόχρονα, μάθαινα τι σημαίνει να είσαι φεμινίστρια. Wantedθελα να βρω γυναίκες καλλιτέχνες που εργάζονται στον διευρυμένο καλλιτεχνικό μου κόσμο. Τότε ανακάλυψα τον Toots Zynsky.

Μια γυναίκα στον αντρικό κόσμο που ήταν τα πρώτα στάδια της κίνησης στο γυαλί στο στούντιο, η Zynsky αγκάλιασε το ψευδώνυμό της "toots", μια αργκό λέξη για τις γυναίκες και το χρησιμοποίησε επαγγελματικά (το πραγματικό της όνομα είναι Mary Ann). Ταν μέρος της αρχικής ομάδας, με επικεφαλής τον βιρτουόζο γυαλιού Dale Chihuly, η οποία ανέπτυξε το Pilchuck Glass School στις αρχές της δεκαετίας του 1970. Το στυλό της στυλ, πολύχρωμα νήματα από λιωμένο γυαλί σε σχήμα κυματοειδούς σκάφους, προκαλεί δέος όμορφο.

Κύκλος ζωής (Armillary Sphere

"Cycle of Life (Armillary Sphere)" από τον Paul Manship, Gilt bronze (1924)

Γκαλερί Discovery

Θυμάμαι την πρώτη φορά που είδα μια μεγάλη ποσότητα γλυπτού από τον Paul Manship. Wasμουν στην Ουάσινγκτον, DC στο Smithsonian American Art Museum. Είμαι οπαδός του Art Deco και είναι ένας από τους πιο διάσημους πρώτους υποστηρικτές αυτού του στυλ. Το μουσείο διαθέτει μια μεγάλη συλλογή έργων Manship, κάτι που δεν ήξερα μέχρι να περιηγηθώ στις γκαλερί του.

Υποθέτω ότι έχετε δει και τη δουλειά του, είτε αυτοπροσώπως είτε σε οποιαδήποτε ταινία ή τηλεοπτική εκπομπή στη Νέα Υόρκη. Το πιο διάσημο κομμάτι του (και ένα από τα μεγαλύτερα) είναι το «Συντριβάνι του Προμηθέα» στην πλατεία του Rockefeller Center.

Ο Manship είναι γνωστός για τον κομψό, στυλιζαρισμένο ελληνορωμαϊκό μοντερνισμό του. Συνήθως συγκεντρώνει την ανθρώπινη φιγούρα, τη μυθολογία και τη δράση, αν και δημιούργησε επίσης υπέροχα ζώα. Το έργο του Speed ​​έχει τρεις φιγούρες, που αντιπροσωπεύουν μια οικογένεια, τοποθετημένη μέσα στη βάση μιας οπλοφόρου σφαίρας (αρχαίος χάρτης των πλανητών και των άστρων). Η οικογένεια σε συνδυασμό με τη σφαίρα αντιπροσωπεύει την αλληγορία του για τον κύκλο της ζωής.

Το παιδί

"The Child" της Mary Cassatt, Λάδι σε καμβά (γύρω στο 1905)

Αμερικανική και Ευρωπαϊκή Πινακοθήκη

Wantedθελα να χτυπήσω τον πισινό του μωρού εδώ και δεκαετίες.

Ζητήστε από ένα άτομο που δεν είναι εξοικειωμένο με την τέχνη να ονομάσει μια γυναίκα καλλιτέχνη και πιθανότατα θα πει Mary Cassatt, Frida Kahlo ή Georgia O’Keeffe (συνήθως μπορούν να ονομάσουν έναν άντρα καλλιτέχνη αν ήταν θαυμαστές των Teenage Mutant Ninja Turtles). Βοηθά επίσης ότι ο Cassatt εργάστηκε στον ιμπρεσιονισμό, ένα από τα πιο δημοφιλή ιστορικά στυλ στην Αμερική σήμερα.

Ως γυναίκα από πλούσια οικογένεια, υπήρχαν οικογενειακές και κοινωνικές προσδοκίες από αυτήν. Το να είσαι επαγγελματίας ζωγράφος δεν ήταν ένα από αυτά. Αναστατωμένη από τον πατέρα της, κατευθύνθηκε στο Παρίσι το 1874, τότε η πρωτεύουσα της τέχνης του κόσμου. Βρήκε τη θέση της όταν άρχισε να ζωγραφίζει παιδιά, γυναίκες και γυναίκες με παιδιά. Το παραδοσιακό γυναικείο θέμα διευκόλυνε τη μετάβαση.

Αυτός ο πίνακας ήταν μια μελέτη για έναν διαγωνισμό. Αφού έμαθε για πολιτική διαφθορά που σχετίζεται με το νέο κρατίδιο Harrisburg, Pennsylvania, το έβγαλε από τον διαγωνισμό σχεδιασμού. Τελικά έφτασε στο Speed, το οποίο είναι σίγουρα ένα συν για όλους μας.

Βάζο

Βάζο από τη Sara Sax για την αγγειοπλαστική Rookwood

Earthenware (1910)

Αμερικανική και Ευρωπαϊκή Πινακοθήκη

Συλλέγω αμερικανική αγγειοπλαστική τέχνης, μια υποκατηγορία του Αμερικανικού Κινήματος Τεχνών και Χειροτεχνίας που ξεκίνησε στα τέλη του 19ου αιώνα. Τα κεραμικά ήταν είτε χειροποίητα είτε χυμένα με μούχλα, με συμπαγή ματ γάνωμα, χαραγμένα σχέδια ή διακοσμημένες με το χέρι εικόνες. Ταν μια μορφή τέχνης που καλωσόριζε τις γυναίκες, καθώς η κεραμική ήταν το κατάλληλο χόμπι για τις κατάλληλες κυρίες, πριν και μετά το γάμο.

Μερικά κομμάτια μου είναι του Rookwood Pottery στο Σινσινάτι, ένα από τα καλύτερα αγγειοπλαστικά της εποχής του. Άνοιξε το 1880, έπεσε κατά τη διάρκεια της Μεγάλης ressionφεσης και τελικά έκλεισε οριστικά το 1967, πολύ αργότερα από τις περισσότερες εταιρείες κεραμικής τέχνης.

Ένας από τους διασημότερους διακοσμητές του Rookwood ήταν η Sara Sax. Η στυλιζαρισμένη ερμηνεία της για το δημοφιλές μοτίβο φτερού παγωνιού διακοσμεί το μπροστινό μέρος ενός βάζου τυπικού σχήματος. Ωστόσο, δεν υπάρχει τίποτα τυπικό σχετικά με την ικανότητα και την τεχνική της.

Καθρέφτης και Βάζο

Καθρέφτης και βάζο από τον Louis Comfort Tiffany

Χάλκινος καθρέφτης (γύρω στο 1905), Γυάλινο βάζο (περίπου 1900)

Αμερικανική και Ευρωπαϊκή Πινακοθήκη

Η Louis Comfort Tiffany έχει γίνει μια επώνυμη μάρκα, αν και οι περισσότεροι άνθρωποι πιστεύουν λανθασμένα ότι είναι το κατάστημα Tiffany & amp Co. στη Νέα Υόρκη (αυτή είναι η εταιρεία του πατέρα του). Οι περισσότεροι λαμπτήρες από βιτρό ονομάζονται λανθασμένα λαμπτήρες Tiffany. Στην πραγματικότητα δούλεψε σε πολλά μέσα και τα παραδείγματα στο Speed ​​βοηθούν τους θεατές να κατανοήσουν την πολυπλοκότητα του καλλιτέχνη.

Κατείχε ή ήταν μέρος πολλών εταιρειών, συμπεριλαμβανομένων των Tiffany Studios και Tiffany Glass and Decorating Co. Δεν ήταν πάντα ο σχεδιαστής ή ο εργάτης, αλλά γνωρίζουμε το όνομα Tiffany σε μεγάλο βαθμό λόγω της ποιότητας της τέχνης και της επίδειξής του.

Πολλοί άνθρωποι φαντασιώνονται ότι βρίσκουν έναν πίνακα του Πικάσο στη σοφίτα. Μου? Ας είναι ένα υπογεγραμμένο βιτρό Tiffany, παρακαλώ.


Το ξενοδοχείο Pontchartrain

Νέα Ορλεάνη, Λουιζιάνα

Κοκτέιλ στο μπαρ στον τελευταίο όροφο του Pontchartrain, Hot Tin.

Ακόμα και σε μια πόλη γεμάτη παράδοση και μεγάλες ακμές, ξεχωρίζει το πρόσφατα ανοιχτό Pontchartrain. Από το ντεμπούτο του το 1927, το στήριγμα της Νέας Ορλεάνης έχει φιλοξενήσει όλους από το Τενεσί Ουίλιαμς (οι οποίοι εργάστηκαν Ένα τραμ με το όνομα Desire εκεί) στη Rita Hayworth to the Doors και οι κάτοικοι του Crescent City θυμούνται με αγάπη τα πλούσια γεύματα του Crabmeat Remick, του Shrimp Saki και την υπογραφή Mile High Pie του ξενοδοχείου στο καραϊβικό δωμάτιο που απαιτεί μπουφάν. Η προσεκτικά ανασχεδιασμένη σύγχρονη εμπειρία έχει πολλές νοσταλγικές πινελιές. Κατά το check-in, σας δίνεται ένα βαρύ μεταλλικό κλειδί (το γραφείο θα το κρατήσει καθώς περιηγείστε στην πόλη). Τα πολύχρωμα δωμάτια διαθέτουν διακόσμηση εμπνευσμένη από το vintage Garden District (γραφεία από μπαμπού, ταπετσαρία με χρωματισμένο κόσμημα) και το παλιό πιάνο-μωρό επιστρέφει στο clubby Bayou Bar. Αλλά δεν είναι εντελώς ανατροπή. Ενώ το μπαρ του τελευταίου ορόφου Hot Tin παίζει glam της δεκαετίας του 1940, ανοίγει με πανοραμική θέα σε ένα πολύ σύγχρονο κέντρο της πόλης. Και στο νέο Caribbean Room του John Besh, γεμάτο σμαραγδένια πράσινα και σιωπηλό ροζ βελούδο, μπορείτε ακόμα να παραγγείλετε την τρίχρωμη πίτα Mile High Pie, αλλά με ένα ατίθασο νεύμα, θα βρείτε ένα πορτρέτο του Lil 'Wayne της Νέας Ορλεάνης που χαμογελά πάνω από μια φέτα στο διπλανό σαλόνι. Τα μπουφάν, ωστόσο, εξακολουθούν να απαιτούνται. thepontchartrainhotel.com

Η βελανιδιά σκιασμένη είσοδος της λεωφόρου St. Charles στο ξενοδοχείο Pontchartrain.


Washington, D.C.’s Art and Soul Reopens After Renovation - Recipes

Το Ben's Chili Bowl στην οδό U ήταν ένα ορόσημο στην Ουάσινγκτον από τότε που άνοιξε το 1958. Από τότε, εξυπηρετεί το διάσημο chili con carne του ιδρυτή Ben Ali πάνω από το γνωστό βασικό φαγητό του D.C.: τσίλι μισοκαπνίζει. (Πηγή φωτογραφίας: Creative Commons)

«Ο Μπεν είναι ένα οικείο, άνετο μέρος όπου ο παλμός της κοινότητας όχι μόνο γίνεται αισθητός, αλλά και ακούγεται, το βόρειο ισοδύναμο των καυστικών συζητήσεων γεμάτων γέλια και ιστορία που πραγματοποιήθηκαν στο λυκόφως στις νότιες βεράντες, το τελευταίο ενός εξαφανισμένου κόσμου όπου όλοι γνώριζε σχεδόν όλους τους άλλους, και ακόμη και όταν μιλούσαν για σένα, κανένας δεν σου εννοούσε κανένα κακό ». [1] - The Washington Post, 1989

Σύμφωνα με τον συνιδρυτή Virginia Ali, το Ben’s Chili Bowl δεν ήταν ποτέ «το τυπικό σας εστιατόριο». [2] Σε αντίθεση με άλλα εστιατόρια της δεκαετίας του 1950, ο σύζυγος της Βιρτζίνια Μπεν σκέφτηκε ότι «η Ουάσινγκτον μπορεί να πεινάει για το είδος των πικάντικων πιάτων που γνώριζε ενώ μεγάλωνε στην Καραϊβική», και έτσι δημιούργησε τη δική του συνταγή για τσίλι κον καρνέ - η οποία παραμένει ένα στενά φυλαγμένο οικογενειακό μυστικό. [3]

(Πηγή φωτογραφίας: Βιβλιοθήκη του Κογκρέσου)

Ένα μοναδικό στοιχείο του εστιατορίου στην αρχή, ήταν ότι «το πικάντικο τσίλι του Μπεν σερβίρεται μόνο πάνω από χοτ ντογκ, μισοκαπνιστές ή χάμπουργκερ», και όχι από το μπολ, όπως θα πρότεινε το όνομα του τόπου. [4] Η εφεύρεση του Ben για το τσίλι μισοκαπνού (που ουσιαστικά δεν δοκίμασε ποτέ ο ίδιος επειδή η ισλαμική του πίστη του απαγόρευε να τρώει χοιρινό κρέας) έγινε γρήγορα το βασικό φαγητό της DC και για τα επόμενα 20 χρόνια, οι πιστοί Ουάσινγκτον ξεπέρασαν ένα σωρό σημαντικά εμπόδια για να διορθώσουν το τσίλι τους στον μισό καπνό.

Ο Μπεν Άλι, μετανάστης από το Σαν Χουάν του Τρινιντάντ, ήρθε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1945 για να παρακολουθήσει κολέγιο και τελικά έγινε γιατρός. Φοίτησε αρχικά στο Πανεπιστήμιο της Νεμπράσκα, αλλά αναγκάστηκε να κάνει αρκετούς μήνες άδειας για να συνέλθει από το σπάσιμο της πλάτης του αφού έπεσε κάτω από έναν άξονα του ανελκυστήρα. [5] Μετά από αυτό, παρακολούθησε τέσσερα άλλα κολέγια πριν αποφοιτήσει τελικά από το Πανεπιστήμιο Howard στο Shaw. Στη συνέχεια ξεκίνησε στην οδοντιατρική σχολή του Χάουαρντ, αλλά αργότερα το εγκατέλειψε και τα έβγαλε πέρα, κάνοντας τα πάντα, από τραπέζια αναμονής και πώληση ακινήτων, μέχρι οδήγηση ταξί. [6]

Το 1957, ωστόσο, μια κενή ιδιοκτησία στην οδό U με ενδιαφέρουσα ιστορία τράβηξε την προσοχή του Μπεν. Πίσω στο 1910, το νεόκτιστο κτίριο φιλοξένησε τον πρώτο μαύρο κινηματογράφο βουβής ταινίας στη χώρα: το Minnehaha που βρίσκεται στην οδό 1213 U. Ο Αφροαμερικανός ερμηνευτής βοντίβιλ Σέρμαν Χ. Ντάντλεϊ αγόρασε την εγκατάσταση και από το 1913 έως το 1920, το πρόσφατα μετονομαζόμενο θέατρο Ντάντλεϊ χρησίμευσε ως θέατρο βοντίβιλ 200 θέσεων. [7]

Το 1910, η τρέχουσα τοποθεσία του Μπεν ήταν η πατρίδα της Μιννεχάχα-η πρώτη μαύρη ταινία βουβής ταινίας στη χώρα. Από το 1913 έως το 1920, το κτίριο ήταν ένα θέατρο βοντβίλ 200 θέσεων, το οποίο ανήκε στον Αφροαμερικανό ερμηνευτή Βοντίβιλ Σέρμαν Χ. Ντάντλεϊ. (Πηγή φωτογραφίας: Zagat)

Όταν οι ηθοποιοί και οι βωβές ταινίες άρχισαν σιγά σιγά να ξεθωριάζουν λόγω της εισαγωγής των δημοφιλών «talkies» (ταινίες με ήχο), το θέατρο μετατράπηκε σε μια πισίνα. [8] Αφού έκλεισε η αίθουσα της πισίνας το 1957, ο Μπεν άρπαξε το ακίνητο και ξεκίνησε μια διαδικασία ανακαίνισης για να το μετατρέψει σε εστιατόριο. Ενώ αυτή η ανακαίνιση γινόταν, ο Μπεν έκανε πολλά ταξίδια στη Βιομηχανική Τράπεζα στις 11 και στο U όπου γνώρισε τη μελλοντική σύζυγό του Virginia Rollins. [9] Ο Μπεν, και στη συνέχεια η αρραβωνιαστικιά του Βιρτζίνια, άνοιξαν το Ben’s Chili Bowl στις 22 Αυγούστου 1958 και παντρεύτηκαν δύο μήνες αργότερα.

Ο Μπεν και η Βιρτζίνια Αλί την ημέρα του γάμου τους το 1958-μόλις δύο μήνες μετά το άνοιγμα του εστιατορίου. (Πηγή φωτογραφίας: Ιστότοπος Ben's Chili Bowl)

Τα εγκαίνια του Ben’s έγιναν εν μέσω της εποχής «Black Broadway» της οδού U Street. Στη διαχωρισμένη Ουάσινγκτον του 20ού αιώνα, οι Αφροαμερικανοί, διασημότητες ή μη, δεν ήταν ευπρόσδεκτοι σε πολλά ξενώνες, εστιατόρια και θέατρα στο κέντρο της DC, και ως εκ τούτου ξεκίνησαν μια ζωντανή, αυτάρκεια δική τους κοινότητα στις Ηνωμένες Πολιτείες. Περιοχή οδών. Αυτή η περιοχή έγινε γρήγορα το σπίτι της μαύρης κοινότητας της μεσαίας τάξης της Ουάσινγκτον και με το πανεπιστήμιο Howard να λειτουργεί ως άγκυρα στην περιοχή, εμφανίστηκαν άλλα ιδρύματα που προωθούν την εκπαίδευση, τον πολιτισμό και τις τέχνες, συμπεριλαμβανομένων αρκετών μεγάλων θεάτρων που βοήθησαν να γεννηθεί το όνομα "Black Broadway. " Μεταξύ των πιο διάσημων θεάτρων που ρίζωσαν σε αυτόν τον τομέα ήταν το Θέατρο Χάουαρντ, τα Βοημικά Σπήλαια και το Θέατρο Λίνκολν. [10]

Το Ben’s Chili Bowl βρισκόταν σε βολική τοποθεσία ακριβώς στην καρδιά της περιοχής διασκέδασης της U Street - δίπλα στην αίθουσα Lincoln Theatre και σε μικρή απόσταση με τα πόδια από τα άλλα θέατρα και τζαζ κλαμπ. Βρίσκεται ακριβώς στη μέση της δράσης, ο Ben's γρήγορα καθιερώθηκε ως ο τόπος όπου οι μουσικοί πήγαν μετά από συναυλίες - ειδικά εκείνοι οι Αφροαμερικανοί ερμηνευτές τζαζ που δεν ήταν ευπρόσδεκτοι στο κέντρο της πόλης. Στην πραγματικότητα, ήταν ένα συνηθισμένο φαινόμενο να βρεθούν σπουδαίοι όπως ο Cab Calloway, η Sara Vaughan, η Ella Fitzgerald, ακόμη και ο ντόπιος και θρύλος της τζαζ U Street, Duke Ellington, σταματώντας για ένα σκυλί τσίλι όταν έπαιζαν κλαμπ στην περιοχή. [11] Ο Bernard Demczuk, καθηγητής Αφροαμερικανικής ιστορίας στο Πανεπιστήμιο George Washington και ο επίσημος ιστορικός του Ben παρατήρησαν ότι «όταν έμπαινε ο Cab Calloway, μόλις έβγαζε μερικά σκυλιά τσίλι, το μπαχαρικό τον έστελνε να χορεύει πάνω κάτω. στο διάδρομο, πατώντας μερικά βήματα ». [12]

Το Ben's βρίσκεται ακριβώς δίπλα στο διάσημο θέατρο Lincoln στην οδό U. Αυτό αποδείχθηκε ότι ήταν μια εξαιρετική τοποθεσία για το εστιατόριο, καθώς προσέλκυσε όλους τους σπουδαίους μουσικούς της τζαζ για μισό καπνό αργά το βράδυ μετά τις συναυλίες τους στην περιοχή. Αφροαμερικανοί μουσικοί όπως οι Cab Calloway, Ella Fitzgerald και Duke Ellington, ήταν μόνο μερικοί από τους πολλούς που καθιέρωσαν τους Ben's ως τους τόπους, καθώς δεν ήταν ευπρόσδεκτοι στα μέρη του κέντρου στο DC (Φωτογραφία Πηγή: Library of Congress)

Ο Μπεν δεν ήταν μόνο γεμάτος από διάσημους μουσικούς - οι πολιτικοί ηγέτες πραγματοποιούσαν επίσης συναντήσεις εκεί και το εστιατόριο έγινε ένα ιδιαίτερα σημαντικό σημείο κατά τη διάρκεια του Κινήματος Πολιτικών Δικαιωμάτων. Η φοιτητική μη βίαιη συντονιστική επιτροπή (SNCC) είχε την έδρα της απέναντι και ο αρχηγός της, Stokely Carmichael, έτρωγε στο Ben's κάθε μέρα και χρησιμοποιούσε το εστιατόριο ως κέντρο προβολής. Ο Δρ Μάρτιν Λούθερ Κινγκ τζούνιορ μάλιστα πήγε στο Ben's για μεσημεριανό γεύμα περιστασιακά, όταν επισκέφτηκε την Ουάσινγκτον. [13]

Μετά τη δολοφονία του Δρ Κινγκ το 1968, ωστόσο, η Ουάσινγκτον ξέσπασε σε βίαιες ταραχές που ξέσπασαν στη γειτονιά της οδού U για πέντε ημέρες. Ενώ πολλά εστιατόρια και επιχειρήσεις έκλεισαν λόγω της αναταραχής, ο Ben Ali πήρε ειδική άδεια από την αστυνομία για να κρατήσει το εστιατόριο του ανοιχτό κατά τη διάρκεια των ταραχών και ήταν ένα από τα λίγα εστιατόρια στην περιοχή που παρείχε χώρο για διαδηλωτές, αστυνομικούς και πυροσβέστες να φάει εν μέσω βίας. [14] Όπως πολλοί άλλοι αφροαμερικανοί ιδιοκτήτες επιχειρήσεων, ο Μπεν έγραψε τη φράση «Soul Brother» στη βιτρίνα του εστιατορίου του με σαπούνι, προσπαθώντας να την προσδιορίσει ως επιχείρηση μαύρης ιδιοκτησίας και να αποθαρρύνει τον βανδαλισμό. [15] Είτε ήταν αυτή η πράξη, η δημοτικότητα του εστιατορίου, είτε η καλή τύχη, ο Μπεν τα κατάφερε από τις ταραχές ανέγγιχτες από τις πυρκαγιές και τους βανδαλισμούς που κατέστρεψαν τόσες πολλές άλλες επιχειρήσεις στην οδό U.

1968 σκηνές ταραχής D.C. στην περιοχή των οδών 14ου-7ου Β.Δ. Ενώ οι περισσότερες επιχειρήσεις στη γειτονιά U Street καταστράφηκαν σε αυτές τις ταραχές που ξέσπασαν μετά τη δολοφονία του Μάρτιν Λούθερ Κινγκ Τζούνιορ, ο Μπεν έμεινε ανέγγιχτος και συνέχισε να λειτουργεί κατά τη διάρκεια των βίαιων πέντε ημερών. (Πηγή φωτογραφίας: Βιβλιοθήκη του Κογκρέσου)

Στη δεκαετία του 1970 και του 1980, ωστόσο, η U Street αντιμετώπισε μεγάλη άνοδο στο έγκλημα και τα ναρκωτικά μετά τις ταραχές. Όπως παρατήρησε ο Νιζάμ Άλι, ένας από τους γιους του Μπεν:

«Υπήρχε ένα γελοίο εμπόριο ναρκωτικών και εγκληματικότητα, και η DC ήταν η πρωτεύουσα δολοφονίας του κόσμου όλα αυτά τα χρόνια. Αλλά πάντα νιώθαμε ασφαλείς. Alwaysταν πάντα ένα μέρος όπου σεβόμασταν τον πελάτη ανεξάρτητα από το ποιοι ήταν και μας φρόντιζαν, ως επί το πλείστον. Οι άνθρωποι είχαν πάντα καταπληκτικό σεβασμό για τη μαμά, ειδικά. Από εμπόρους έως μέλη συμμορίας - θα την έβλεπαν σαν μητρική φιγούρα ». [16]

Το 2003, είπε η Virginia Ali Η Washington Post ότι κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, το "εστιατόριο σταμάτησε να πουλάει κέικ και πίτες επειδή οι εθισμένοι τραβήχτηκαν από τα γλυκά" και ότι η αστυνομία του D.C. [17]

Αν και με πολύ μικρότερες ώρες, ο Ben's ήταν μια από τις λίγες επιχειρήσεις που επικράτησαν στους πολέμους των ναρκωτικών. Η οικογένεια Αλί απέδειξε ότι θα μπορούσε να συνεχίσει να λειτουργεί ένα αγαπημένο και επιτυχημένο εστιατόριο, αλλά οι δύσκολοι καιροί θα συνεχιστούν. Το 1988, η κατασκευή του Green Line Metro ξεκίνησε στο δρόμο ακριβώς μπροστά από το εστιατόριο τους. Ο Kamal Ali, ένας άλλος από τους γιους του Ben, παρατήρησε ότι η κατασκευή του μετρό ήταν «σχεδόν πιο καταστροφική από τα ναρκωτικά, επειδή οι άνθρωποι δεν μπορούσαν να μας πάνε για φαγητό». [18] Παρά τον κρατήρα 60 ποδιών μπροστά από το κτίριο, και την απόφαση του Μπεν να μειώσει το προσωπικό στην οικογένεια και μόνο δύο άλλους υπαλλήλους, το εστιατόριο συνέχισε να προσελκύει ορδές πιστών τακτικών, αλλά και αρχάριους μισού καπνού. [19] Η κατασκευή διήρκεσε από το 1988 έως το 1991 και ο Μπενς ήταν η μόνη επιχείρηση που επέζησε. [20]

Η κατασκευή του Green Line Metro πραγματοποιείται ακριβώς μπροστά από το Ben's το 1989. Η Ben's ήταν η μόνη επιχείρηση στο συγκρότημα που επέζησε της κατασκευής. (Πηγή φωτογραφίας: Ιστότοπος Ben's Chili Bowl)

Μόλις τελείωσε η γραμμή του μετρό, η γειτονιά U Street γνώρισε μια αναζωογόνηση. [21] Επιχειρήσεις, εστιατόρια και θέατρα άρχισαν να επιστρέφουν και η γειτονιά έγινε ξανά κέντρο ψυχαγωγίας και νυχτερινής ζωής.

Σήμερα, το Ben’s Chili Bowl είναι ακόμα το καυτό σημείο για φαγητό στο DC και συνεχίζει να καλωσορίζει διασημότητες στους πάγκους του ή στους κόκκινους, επενδυμένους με βινύλιο θάλαμους-όλα πρωτότυπα της δεκαετίας του 1950. Ο πρώην Δήμαρχος του DC D. Marion Barry παρατήρησε κάποτε ότι σε ένα ταξίδι στη Γκάνα, συναντήθηκε με τον Δήμαρχο της Άκρα, ο οποίος ήταν αποφοίτος του Πανεπιστημίου Howard. Ο πρώτος χαιρετισμός του Δημάρχου στον Μπάρι ήταν: «Χαίρομαι που σας έχω στην Άκρα. Είναι ακόμα το Ben’s Chili Bowl; » [22] Και λίγο πριν από την ορκωμοσία του το 2009, ο πρώην πρόεδρος Μπαράκ Ομπάμα σταμάτησε ακόμη και για μισό καπνό.

Ενώ ο Ben Ali δυστυχώς πέθανε το 2009, το εστιατόριο εξακολουθεί να διοικείται από δύο από τους γιους του Ali, Nizam και Kamal, και η Virginia συνεχίζει να σταματά τακτικά. Το Ben’s Chili Bowl θα συνεχίσει να στέκεται στην οδό U ως υπενθύμιση για το «παλιά» στην Ουάσινγκτον, ενώ ταυτόχρονα αντιπροσωπεύει την πρόοδο, την αλλαγή και λίγο τσίλι επίσης.


Ένα ιστορικό σπίτι της Ουάσινγκτον, DC, ζωντανεύει με Vintage έπιπλα και εκλεκτική τέχνη

Δείτε πώς η σχεδιάστρια Zoe Feldman έφτιαξε τη διαχρονική κατοικία, την οποία ένα νεαρό ζευγάρι αποκαλεί σπίτι.

Όταν μια ομάδα προγραμματιστών ακινήτων αγόρασε ένα ιστορικό αρχοντικό στην Ουάσινγκτον, έτειναν να εκσυγχρονίσουν κάθε εκατοστό του χώρου. Ωστόσο, πριν μπορέσουν να εκτελέσουν το όραμά τους, ένα ζευγάρι στα 30 τους μπήκε για να αγοράσει το ακίνητο με στόχο να το επαναφέρει στις μέρες του. Οι ιδιοκτήτες σπιτιού στρατολόγησαν τη σχεδιάστρια Zoe Feldman, η οποία ήταν ξεκάθαρη σε ένα πράγμα: έπρεπε να είναι γεμάτη ψυχή και χαρακτήρα.

Ο Feldman ανέβασε την ιστορία του σπιτιού ενσωματώνοντας προσεκτικά επιλεγμένα vintage έπιπλα. Για μια αίσθηση αντίθεσης, έστρωσε τα μοναδικά κομμάτια με μοντέρνες πινελιές και εκλεκτική τέχνη από την προσωπική συλλογή του ζευγαριού. Κατά το σχεδιασμό του χώρου, έπρεπε επίσης να λάβει υπόψη το σκυλί διάσωσης των ιδιοκτητών σπιτιού, οπότε οι πρακτικές επιλογές όπως καρέκλες από vegan δέρμα, χαλιά χαμηλού σωρού και υφάσματα επιδόσεων ήταν το κλειδί. Το κομψό, άνετο καταφύγιο ενσωματώνει το σήμα κατατεθέν της σχεδιαστικής εταιρείας της Feldman, την οποία ηγείται για περισσότερα από 15 χρόνια. & ldquoΑυτό είναι πολύ σύμφωνο με τη φυσική μας αισθητική, & rdquo Feldman λέει. Μου φαίνεται τόσο διαχρονικό, αλλά ακόμα τόσο σχετικό και πραγματικά ενδιαφέρον. & rdquo

Ενώ τα ουδέτερα γειώνουν το σπίτι, είναι επίσης ζωντανό με χρώμα. Στο σαλόνι, ένας καναπές Kara Mann για Baker σε βελούδο σε απόδοση ώχρας κλέβει την παράσταση. Λειτουργεί ως ουδέτερο, αλλά με μεγάλη πυκνότητα, & λέει ο Feldman. Για να βελτιώσει την εμφάνιση, ο Feldman υφαίνεται σε ένα τραπέζι παιχνιδιών Biedermeier, το οποίο χρησιμεύει ως σημείο για το ζευγάρι να απολαμβάνει τον πρωινό του καφέ, να διαβάζει εφημερίδα ή να χρησιμοποιεί όταν διασκεδάζει την οικογένεια και τους φίλους του.

Ένα άλλο χαρακτηριστικό είναι η κύρια κρεβατοκάμαρα, η οποία είναι διακοσμημένη με μια κομψή floral ταπετσαρία από τον William Morris. Παρόλο που έχει χρώμα και μοτίβο, εξακολουθεί να αισθάνεται πολύ ουδέτερο και ήσυχο, & rdquo Feldman λέει. Δεν είναι καθόλου χαοτικό. & rdquo Προσαρμοσμένες ντουλάπες εγκαταστάθηκαν για να καλύψουν την έλλειψη χώρου στο ντουλάπι και ένα μεγάλο ενσωματωμένο ανάκλιντρο προσθέτει στη ζεστή αίσθηση του πλοιάρχου.

Η τάση του Feldman για το χρώμα και το μοτίβο εκτίθεται επίσης στα μπάνια. Το κύριο μπάνιο διαθέτει εντυπωσιακό κεραμίδι δαπέδου με μοτίβο ψαροκόκαλο, το οποίο συμπληρώνει καθαρούς λευκούς τοίχους. Υπήρχε επίσης μια μεγάλη πρόκληση σχεδιασμού που πρέπει να ξεπεραστεί: ένα παράθυρο ανάγκασε τον Feldman να ρισκάρει εγκαθιστώντας τα υδραυλικά του ντους ακριβώς στη γυάλινη πόρτα του. Δεν το έχω ξανακάνει αυτό, αλλά στην πραγματικότητα κατέληξε να δουλεύει όμορφα γιατί μπαίνεις μέσα και βλέπεις το πίσω μέρος των υδραυλικών εγκαταστάσεων και αυτό το όμορφα εκτεθειμένο ντους. "Άλλες απρόσμενες στιγμές περιλαμβάνουν ένα μπάνιο επισκεπτών με επένδυση από ταπετσαρία Schumacher's & ldquoLeaping Leopards & rdquo ταπετσαρία, μαζί με πούδρα & mdashwhere Pierre Frey's & ldquoLe Couple & rdquo ταπετσαρία διπλασιάζεται ως πλαισιωμένη τέχνη & mdashthat's awash in Farrow & amp's Ball's Bancha.

Για την τραπεζαρία, ο Feldman αποφάσισε να εισαγάγει μια σαφή διάκριση από το σαλόνι και την κουζίνα. Το πέτυχε κάνοντας δύο τολμηρές κινήσεις σχεδιασμού: βάφοντας μαύρο το ταβάνι και τοποθετώντας ουδέτερη ταπετσαρία με υφή σε γεωμετρική εκτύπωση από τον Πιερ Φρέι. Στη συνέχεια, ο Feldman σημείωσε τον χώρο με vintage υπερμεγέθη επιτραπέζια φωτιστικά, έργα τέχνης του Αγίου Frank και μια ρωμαϊκή απόχρωση σε πράσινο & mdashone από τις αγαπημένες αποχρώσεις της συζύγου που υπάρχουν σε άλλες περιοχές σε όλη την κατοικία.

Το πράσινο λάμπει για άλλη μια φορά στην κουζίνα, όπου η Farrow & amp Ball's Card Room Green εμφανίζεται στα ντουλάπια, αναδεικνύοντας τις κομψές καμπύλες στο χώρο. Πρόσθεσε επίσης χάλκινα εξαρτήματα, γυψοσανίδα και ένα vintage χαλί Oushak για να συνδυάσει το σχέδιο. Είναι μια σημαντική απόκλιση από την πρώην γυμνή, ολόλευκη κουζίνα.

Και δεδομένου ότι κάθε σχεδιαστής καταλαβαίνει τη δύναμη μιας ισχυρής πρώτης εντύπωσης, ο Feldman απευθύνθηκε στο φουαγιέ με το ίδιο εντυπωσιακό μπρίο που είναι εμφανές σχεδόν σε κάθε χώρο της κατοικίας. Εδώ, vintage γλυπτά επιτραπέζια φωτιστικά και ένα πολύχρωμο αφηρημένο έργο τέχνης από την Jenny Prinn προσδίδουν προσωπικότητα. Ένα παλαιό τραπέζι κονσόλας με μαρμάρινη επένδυση και εύρεση mdashanother Chairish & κυριαρχεί στο σχέδιο. Οι ιδιοκτήτες των σπιτιών ήταν ιδιαίτερα ενθουσιασμένοι από την ηλικιωμένη εμφάνισή του, ένα χαρακτηριστικό που η Feldman λέει ότι έκανε το έργο πιο ευχάριστο για εκείνη και την ομάδα σχεδιασμού της. Όταν μπήκε ένα vintage κομμάτι και δεν ήταν 100 τοις εκατό τέλειο και είχε ένα μικρό ψεύτικο ή βαθούλωμα, ήταν εντάξει με αυτό επειδή ήταν μέρος της ιστορίας, εξηγεί ο rdquo Feldman, σημειώνοντας ότι οι άκρες της κονσόλας είναι λίγο φθαρμένες Ε Θα μπορούσαμε να το έχουμε αποκαταστήσει, αλλά μας άρεσε η ζωντανή αίσθηση. & rdquo

Ενώ η δουλειά της Feldman έχει τελειώσει, η δουλειά των ιδιοκτητών δεν έχει τελειώσει, καθώς σκόπευε να αναπτυχθεί η διακόσμηση μαζί με το γούστο τους με την πάροδο του χρόνου. Όταν τελείωσε το σπίτι, ήθελαν πραγματικά να συνεχίσει να εξελίσσεται και να μην αισθάνεται πολύ στατικό, & λέει ο rdquo Feldman. &ldquoIf they find a great piece of art or furniture on their travels, there's still room for it. It's a living space.&rdquo


Willie Mae’s Scotch House Makes Finals

Bon Appetit magazine’s September 2007 Restaurant issue features three finalists in a list of quintessential versions of six American classics: pizza, steak, tacos, hamburgers, fried chicken, and ribs. Winner will be announced on the Food Network on Aug. 18 ( Good Eats with Alton Brown , 6 and 10 pm CDT). The finalists:

PIZZA: Pizzeria Bianco, Phoenix DiFara Pizza, Brooklyn, NY Pizzeria Mozza, Los Angeles
STEAK: Peter Luger Steak House, Brooklyn Cut, Los Angeles Doe’s Eat Place, Greenville, Miss.
TACOS: Taco Taco Cafe, San Antonio Taqueria del Sol, Atlanta South Beach Bar & Grill, Ocean Beach, Calif.
HAMBURGERS: Bobcat Bite, Santa Fe, NM Taylor’s Automatic Refresher, St. Helena, Calif The Meers Store and Restaurant, Lawton, Okla.
FRIED CHICKEN: Willie Mae’s Scotch House, New Orleans Price’s Chicken Coop, Charlotte , NC Blackberry Farm, Walland, Tenn.
RIBS: Charles Vergos Rendezvous, Memphis 17th Street Bar & Grill, Murphysboro, Ill Jaspers, Plano, Texas.

The magazine also features favorite restaurant recipes, including: Lucia’s in Minneapolis-St. Paul Eve in Ann Arbor, Mich. Dali Restaurant & Tapas Bar in Somerville, Mass. Binkley’s Restaurant in Cave Creek, Ariz. Kelly Liken Restaurant in Vail, Colo Pizzeria Mozza in Los Angeles and Park Kitchen in Portland, Ore. … And the mag also features 12 small restaurants and their recipes, including: The Little Owl, New York City The Good Fork, Brooklyn La Laiterie at Farmstead, Providence, RI Cremant, Seattle Bonne Soiree, Chapel Hill, N.C. Hatfield’s, Los Angeles Canteen, San Francisco Revolver, Findlay, Ohio Le Pigeon, Portland, Ore and Komi, Washington, DC. epicurious.com/bonappetit

IN THE NEWS: Tom Fitzmorris’ The New Orleans Menu spotlights Vietnamese eatery Saigon Grill (Mandeville: 2890 E Causeway Blvd.) as well as his Top 10 Steak Houses, topped by Emeril’s Delmonico (1300 St. Charles Ave.), which he calls the best Emeril’s restaurant in the area. nomenu.com … Gambit Weekly ‘s Ian McNulty reviews Chef Eddie Ray King’s Orleans Grapevine Wine Bar & Bistro (720 Orleans Ave., http://www.orleansgrapevine.com). bestofneworleans.com … The Times-Picayune ‘s Brett Anderson examines how restaurants are handling the hot summer months. … Anderson also reports, “By this time next year, the bread pudding soufflé at Commander’s Palace will be available with a harbor view. The famous Garden District restaurant plans to have a new location in Destin, Fla., in time for the vacationing crowds. Commander’s will be a part of HarborWalk Village, a resort development rising along the beach town’s waterfront.” nola.com


Cooper Hewitt Director Plans to Raise Museum’s Profile With Reopening

Caroline Baumann, director of the Cooper Hewitt. The design museum reopens on Friday after a three-year renovation.

Pia Catton

The Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum is mere blocks away from the crowds pouring daily into the Metropolitan Museum of Art and the Solomon R. Guggenheim Museum, but for Caroline Baumann, that only adds to her frustration.

“If you ask tourists exiting the Guggenheim, ‘What is Cooper Hewitt? Where is Cooper Hewitt?’ ” she said, “maybe seven out of 10 won’t know. Or even higher.”

Ms. Baumann, the design museum’s director, has been striving for years to change that, and starting Friday, she may have her chance.

After a three-year, $81 million renovation, during which the museum was closed to the public, a reinvigorated Cooper Hewitt is set to reopen. The 1902 mansion that was once Andrew Carnegie’s home now has 60% more gallery space, interactive elements to highlight its collection, and free access to its cafe and garden starting at 7:30 a.m. daily.

Visitors will be able to touch objects and try their hand at design in a new lab, compare centuries of tools in a new exhibition, and step into an “immersion room” where they can see or create wallpaper designs that are then projected onto the walls.


The New Serenity

In 1997 Frank Gehry pulled off what many critics still see as an architectural miracle. His ebulliently sculptural Guggenheim Museum in Bilbao, Spain, transformed a declining industrial city in the Basque region into a global tourist attraction. Art-museum trustees and directors in other cities quickly tried to imitate the so-called Bilbao effect. They hoped that a spectacular cultural facility would inspire a similar success story: rebranding their communities, boosting the local economy, and attracting tourists in droves. The Milwaukee Art Museum built a spectacular expansion with winglike canopies designed by Santiago Calatrava of Spain. The Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C., plans to break ground next year on a shiny, metal-clad expansion designed by Gehry. And Daniel Libeskind, co-architect of the Freedom Tower at Ground Zero in New York, designed a craggy, sharp-edged expansion for the Denver Art Museum, scheduled to open in the fall of next year.

But eight years after Bilbao, a reaction is setting in. While art museums in the United States are expanding at a breathtaking pace, the desire to emulate Gehry&rsquos Spanish miracle looks increasingly like the exception, not the rule. And while museum directors continue to justify large expansion projects in terms of the tourism and attention they attract, they&rsquore talking less and less about spectacular architecture as a primary goal. Instead, they emphasize the importance of showcasing collections, creating larger spaces suitable for the demands of contemporary art, and serving local audiences rather than attracting tourists.

The new ethos is in part a response to criticisms that Gehry&rsquos architecture in Bilbao, while a powerful artistic statement in itself, at times overshadowed the contents of the museum. Financial reality is also behind the shift. In today&rsquos straitened economic climate, museums have been less inclined to market themselves as civic trophies that swagger on the skyline. Museum directors and their boards have been chastened by the example of Milwaukee, where Calatrava&rsquos dramatic design led to a $25 million debt in 2000, from which the museum is only now beginning to recover. Also significant is the example of the Bellevue Art Museum outside Seattle, which closed its doors in 2003, shortly after having opened a beautiful $23 million building designed by Steven Holl&mdashproving, perhaps, that eye-catching architecture isn&rsquot everything. In this case, according to numerous press accounts, exhibitions failed to attract attendance, which led to a shortfall in revenue for an institution that was, in essence, undercapitalized. (The museum is scheduled to reopen later this year as a center for crafts and design.)

So while star architects such as Gehry, Libeskind, and Rem Koolhaas continue to design high-impact cultural buildings around the world, art museums in the United States have been retreating from explosive innovation to a more restrained Modernism and a mood of tranquil equipoise. At the same time, art museums are generally avoiding historicist quotations of architectural styles from the past. Postmodernism, as an approach to museum design, is out of fashion.

If one architect crystallizes the moment, it is the Italian-born Renzo Piano, whom James Cuno, director of the Art Institute of Chicago, calls the &ldquomost sensitive and profound architect designing museums today.&rdquo Known for the luminous use of daylight he achieved at the Menil Collection in Houston in 1987, Piano has won commissions for more than a half dozen of the most important current art-museum projects. They include expansions proposed for the Isabella Stewart Gardner Museum in Boston the Art Institute of Chicago the Whitney Museum and the Pierpont Morgan Library in New York the High Museum of Art in Atlanta the Los Angeles County Museum of Art and the Nasher Sculpture Center in Dallas.

&ldquoFor every action there is an equal and opposite reaction,&rdquo says Willard Holmes, director of the Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut. &ldquoPeople look at Piano&rsquos architecture and see it as an antidote to Gehry&rsquos architecture. They both build wonderful spaces, but Piano holds out the promise of something that is calming rather than energizing, something that is serene rather than active.&rdquo Of course Piano isn&rsquot the only advocate of what might be called the New Serenity. Other examples of the more subdued approach include the $48.6 million Figge Art Museum in Davenport, Iowa, designed for a site along the Mississippi River by architect David Chipperfield of England as a series of rectangular forms sheathed in delicate lattices of glass and metal. Also notable is the widespread enthusiasm for the work of Japanese architects, whose austere esthetics have been embraced by many American museums. Japanese Modernists Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa have been chosen to design a recondite tower of stacked, boxy shapes on the Bowery in New York for the New Museum of Contemporary Art and a ghostly, minimalist building for the new Glass Pavilion at the Toledo Museum of Art. Tadao Ando, known for his elegant use of glass and concrete, designed the Modern Art Museum of Fort Worth and the Pulitzer Foundation for the Arts in St. Louis. And Yoshio Taniguchi, who just completed the expanded Museum of Modern Art in New York, has been tapped to design a new building in Houston&rsquos museum district for Asia House of the Asia Society Texas.

&ldquoPeople are thinking twice about destination architecture because they&rsquore beginning to realize that to survive and remain a very viable and good museum, you&rsquove got to have a good place to show the work,&rdquo says Agnes Gund, president emerita of the Museum of Modern Art in New York. As president from 1991 to 2002, Gund helped lead the museum through an $858 million capital campaign that paid for the $425 million expansion and renovation. Gund also played a leading role in setting the tone for Taniguchi&rsquos minimal, elegant, and classically Modernist design, which has been praised widely. &ldquoSexy architecture is very good, but it doesn&rsquot work for the purpose that it&rsquos supposed to serve,&rdquo she comments.

Citing similar arguments, other museum directors say their projects are not at all like the Guggenheim Bilbao, conceptually or architecturally. &ldquoBilbao was an aberration,&rdquo says Kathy Halbreich, director of the Walker Art Center in Minneapolis, which will inaugurate its own expansion and renovation on the 17th of next month. &ldquoThe aberration was that there&rsquos only one Bilbao, in part because of Gehry&rsquos architecture. It&rsquos a place of pilgrimage, and I don&rsquot think places of pilgrimage can ultimately be sustained. Pilgrims don&rsquot sustain communities&mdashlocal audiences sustain communities. And it&rsquos the programs that are the heart and soul of any building.&rdquo Halbreich describes the Walker&rsquos expansion&mdasha $67.5 million project designed by the Swiss firm Herzog & de Meuron, renovation architects of the Tate Modern in London, as well as its recently announced, upcoming expansion&mdashas &ldquoenormously mission-centered,&rdquo not an architectural gesture for its own sake.

The projects in New York, Minneapolis, and other cities are part of a wave of art-museum construction that certainly owes part of its strength to the success of the Guggenheim Bilbao. Despite the economic slump that started in 2000, and the impact of terrorism and the
war in Iraq, dozens of art museum expansions and renovations are under way from the coasts to the heartland, in what surely constitutes one of the biggest booms of its kind in American history.

Signs of a new mood in museum architecture include the Los Angeles County Museum of Art and the Whitney&rsquos choices of Piano to design their expansions after having both scrapped flamboyant proposals by Koolhaas. The Los Angeles museum&rsquos director Andrea Rich declined to comment on the reasons for dropping Koolhaas, who would have demolished much of the museum&rsquos existing complex before replacing it with a gigantic canopy over reconstructed galleries. Whitney director Adam Weinberg, who joined the museum after its board decided not to proceed with Koolhaas, says he has no direct knowledge of the decision to cancel a $300 million Koolhaas proposal, which called for a tower that would have been cantilevered over the museum&rsquos bunkerlike 1966 building designed by Marcel Breuer. &ldquoI&rsquom a great admirer of Rem Koolhaas, and he had quite an amazing vision for the Whitney,&rdquo says Weinberg. &ldquoBut I would like to get away, frankly, from the comparisons&rdquo between Koolhaas and Piano. Nevertheless, he says, &ldquoRenzo&rsquos work has a kind of classicism to it. He has this way of finding that right balance between tension and composure.&rdquo

The Art Institute of Chicago&rsquos $135 million expansion, for which the museum plans to break ground this spring, will rise on an unsightly, abandoned area on the northeast corner of the museum&rsquos property, which faces the newly completed Millennium Park complex designed by Gehry near the city&rsquos lakefront. Cuno says the addition is intended to bring the area to life. But Piano&rsquos design for the project was driven primarily by internal needs, rather than by the desire to compete with the undulating sunburst of Gehry&rsquos metal-clad band shell and concert facility across the street. &ldquoThe project was designed to advance the core mission of the museum,&rdquo says Cuno. &ldquoIt was designed to add more gallery and education space, rather than temporary exhibition space or retail shops.&rdquo

Despite the trend toward conservative Modernism in museum design, there are powerful exceptions. David Gordon, director of the Milwaukee Art Museum, unabashedly champions Milwaukee&rsquos decision to build the expansion designed by Calatrava, with winglike, mechanized sunscreens that open and close. He says the museum has raised $19 million to pay off its $25 million debt, and he believes it will gather the rest. A native of Great Britain, Gordon says he has adopted an American, can-do attitude. &ldquoIn the States you do something ambitious, you go out on a limb, you find a way to raise money, and you ride on,&rdquo he says.

Mitchell Kahan, director of the Akron Art Museum, is confident he&rsquoll raise the additional $10 million he needs to complete the museum&rsquos $38 million expansion, which will be the first in the United States designed by the chic Viennese architecture firm Coop Himmelb(l)au. The building, an addition to the late-19th-century post office that now houses the museum, will feature a dramatic, winglike roof floating over masonry-enclosed galleries and a glassy lobby with canted walls of glass. &ldquoIf cultural institutions do not embrace innovation in architecture, no one will,&rdquo says Kahan. &ldquoIt is truly our responsibility to push the envelope, because the commercial sector will not.&rdquo Kahan also believes art museums need to stretch financially to make significant architectural statements. &ldquoAt Milwaukee the focus is on the cost overrun,&rdquo he says. &ldquoThat&rsquos a choice they made, and I admire it. A few years of tightening the belt is nothing compared with having something that serves the community for the next century. I don&rsquot know why people are so critical.&rdquo

If there&rsquos one museum project in the United States clearly influenced by Bilbao, it&rsquos the Denver Art Museum&rsquos $90 million addition, a Libeskind composition in jagged, thrusting shapes clad in titanium, like Gehry&rsquos building and Libeskind&rsquos own breakthrough project, the Jewish Museum in Berlin, completed in 1998. Denver museum director Lewis Sharp says he first dreamed of making an architecturally dramatic statement when he attended the opening of the Guggenheim Bilbao at the invitation of a Denver Art Museum trustee whose company had manufactured titanium panels for the gleaming, fish scale&ndashlike facades of Gehry&rsquos building.

&ldquoI was completely knocked over,&rdquo Sharp says. &ldquoIt was an incredible visual experience.&rdquo He also remembers thinking that if he ever had the chance to expand the museum in Denver, &ldquoI hoped we would do something as bold and as exciting to house our future program.&rdquo Now, after eight years and a successful, $120 million capital campaign, construction of the Denver museum&rsquos addition is well under way. A pedestrian bridge will connect it to the Brutalist castle designed for the museum in 1971 by Gio Ponti of Italy. Sharp estimates that when the expansion opens in late 2006, Libeskind&rsquos architecture will be a major factor in boosting attendance to 1 million from 400,000 in the first year, before settling down to 600,000 or 700,000. &ldquoThis building is going to attract people from around the country and around the world,&rdquo he says.

But Sharp also describes the project as a cultural expression of a moment of financial opportunity and civic optimism that occurred in the late 1990s&mdashbefore the stock market downturn that started in early 2000. In 1999 the Denver museum raised the money for its Libeskind project with ease, winning $62.5 million in a citywide vote on a municipal bond, and then gathering another $61 million privately within three months. Emboldened by that momentum, the city added a privately developed condominium tower, also designed by Libeskind, next to the museum and its parking garage. But Sharp says that starting the project today, in the gloomier economic climate, would be impossible.

Libeskind defends the idea of the museum as spectacle. &ldquoI don&rsquot admire neutrality,&rdquo he said at a panel titled &ldquoBeyond Bilbao: Museum Architecture in the 21st Century,&rdquo recently held in New York by the Art Dealers Association of America. &ldquoPeople expect more of life today, more of their coffee, more of their environment, of what they see. Why shouldn&rsquot museums be any different?&rdquo

The Wadsworth Atheneum wasn&rsquot quite as fortunate in its timing as Denver. The museum&rsquos effort to raise $120 million in a capital campaign for a controversial and architecturally ambitious project designed by UN Studio of the Netherlands was hobbled by the stock market downturn, by 9/11, and by the sheer difficulty of raising money in a region bracketed by big museums in New York and Boston. After internal conflict over the UN Studio design, the Atheneum&rsquos former director, Kate Sellers, resigned in fall 2002, followed by board president George David and five other trustees in early 2003.

&ldquoThe museum came to the party of the 1990s late, and by the time it got its building designed and its campaign going, there was a huge competition within the Northeast region for dollars,&rdquo says Holmes. &ldquoI think there was an overreliance on dramatic architecture to solve the Atheneum&rsquos problems.&rdquo Holmes adds that the project collapsed not only because of its polarizing design but also because it was a stand-alone effort, not part of a larger, civic revival. &ldquoThere was not a coordinated effort on the part of state, local, and corporate interests to find a way to revive the fortunes of Hartford.&rdquo Now, under Holmes, the Atheneum is exploring the idea of a more modest expansion to provide additional exhibition space, along with moving its offices to a renovated building across the street.

In a less traumatic manner, the state-owned North Carolina Museum of Art in Raleigh changed course when it got a cool response from donors and legislators to a $100 million expansion plan designed by Richard Gluckman in 2001. The plan would have enlarged the museum&rsquos original building, designed by Edward Durell Stone and completed in 1981. But it was judged too big a hurdle in the economic downturn earlier in this decade. The museum changed direction decisively when the state tore down an adjacent prison and donated the land to the museum, creating a new expansion opportunity. It hired architect Thomas Phifer of New York, a former associate of Richard Meier, to design five glassy pavilions separated by gardens and reflecting pools along the ridgetop site of the former prison. The new $70 million plan provides the space the museum needs, and it&rsquos cheaper.

Other major urban art museums that embarked on expansions after the 1990s are moving ahead, although more slowly than they anticipated. After three years of raising money quietly for a $425 million expansion and renovation designed by Sir Norman Foster of Great Britain, the Museum of Fine Arts, Boston announced last September that it had raised $245 million for the project. While it is a record for a cultural institution in Boston, it still leaves the museum with 42 percent of the balance to raise for the project. Foster&rsquos design, which aims to insert a &ldquocrystal spine&rdquo of galleries and walkways into existing museum courtyards, is not so much aimed at giving the museum a new signature statement as at clarifying and expanding its confusing, haphazardly organized interior.

The Detroit Institute of Arts has raised $230 million to increase its endowment and to pay for a long-delayed renovation designed by Michael Graves in 1988. But the museum has been stymied by state-budget cuts and squabbles over governance with the city of Detroit, which owns the museum&rsquos building, though not its collection. Director Graham Beal recently announced yet another delay after the museum found it had to spend $57 million to remove asbestos from parts of the building. The discovery has increased the goal of the museum&rsquos capital campaign to $410 million from $330 million, and pushed back the completion of the project to 2007. Officials at the Cleveland Museum of Art had originally hoped to break ground this fall for a $225 million renovation and expansion designed by Rafael Vi_oly. But as of January they had announced neither how much they had raised nor a date for the groundbreaking.

One thing most museum directors agree on: all that new space will be necessary. In particular, they feel confident that there will be an ample supply of new art to fill the sizable spaces for contemporary art included in many of the new expansions.

&ldquoThere&rsquos going to be no end to this,&rdquo Cuno says. &ldquoThat&rsquos one of the great glories of museum work. There&rsquos always going to be more art made in the future. It&rsquos a growth industry. More people are going to live longer, and therefore more people will make art over longer periods than in the past, and there are going to be more people around to appreciate it.&rdquo

Steven Litt is the art and architecture critic of Ο απλός έμπορος in Cleveland.


Δες το βίντεο: Rod Stewart - Heart and Soul Tour 2012


Σχόλια:

  1. Tupi

    In my opinion, you are mistaken.

  2. Tearle

    "The road will be overcome by the one walking." I wish you never stop and be a creative person - forever!



Γράψε ένα μήνυμα